A venir :
- L’Âge d’or de la peinture anglaise : De Reynolds à Turner Chefs d’œuvre de la Tate Britain
11 septembre 2019 – 16 février 2020
Cette exposition, construite à partir des chefs-d’oeuvre de la Tate Britain, met à l’honneur une période phare dans l’histoire de la peinture en Angleterre, allant des années 1760 jusqu’à 1820 environ. Elle entend dresser un panorama qui permette d’en saisir toute l’originalité et la diversité. Elle mène le visiteur de la fondation de la Royal Academy, avec des artistes comme Reynolds et Gainsborough, jusqu’au nouveau tournant qui s’amorce au début du XIXe siècle, notamment avec Turner.
Le public y redécouvrira les grands classiques de l’art britannique, trop rarement présentés en France.
Musée du Luxembourg 19 rue de Vaugirard 75006 Paris Tél : 01 40 13 62 00
A venir :
– Du Douanier Rousseau à Séraphine, les grands maîtres naïfs
Le Musée Maillol accueille plus d’une centaine d’oeuvres issues du monde passionnant, rêveur, insolite et inépuisable des artistes dit « naïfs ». Appelés « primitifs modernes » par l’un de leurs fervents défenseurs, le collectionneur et critique d’art Wilhelm Uhde (1874-1947), ces artistes renouvellent la peinture à leur manière, à l’écart des avant-gardes et des académismes. Réunies pour la première fois à Paris, leurs oeuvres aux couleurs éclatantes livrent un pan souvent négligé de l’histoire de l’art de l’entre-deux guerres.
Sur les pas d’Henri Rousseau et de Séraphine Louis, l’exposition vise à révèle une constellation d’artistes tels qu’André Bauchant, Camille Bombois, Ferdinand Desnos, Jean Ève, René Rimbert, Dominique Peyronnet et Louis Vivin.
Autodidactes, comme le Douanier Rousseau qui les précède, ils sont venus à l’art en secret ou sur le tard, mus par une vocation contrariée, une injonction divine ou par l’Histoire. Par nécessité, ils ont concilié leur pratique artistique avec une profession souvent modeste : cantonnier, employé de maison, lutteur de foire, imprimeur ou fonctionnaire des postes. S’ils ne se connaissent pas, certains exposent aux Salons, d’autres sont vus et soutenus par des amateurs influents. On trouve parmi ces derniers André Breton, Pablo Picasso, Vassily Kandinsky, Le Corbusier, Henri-Pierre Roché, Maximilien Gauthier, Wilhelm Uhde, Jeanne Bucher, Anatole Jakovsky et Dina Vierny, fondatrice du Musée Maillol.
La peinture figurative de Piet Mondrian (1872-1944) est longtemps restée méconnue. Pourtant, celui qui se distingue aujourd’hui comme le plus important collectionneur de l’artiste, Salomon Slijper (1884-1971) s’est passionné pour cet aspect longtemps oublié de son oeuvre. Ayant rencontré le maître aux Pays-Bas où il se réfugie pendant la Première Guerre mondiale, ce fils de diamantaire d’origine amstellodamoise réunit un ensemble unique de peintures et de dessins de l’artiste avec lequel il se lie d’amitié. Mondrian procède lui-même à la sélection d’une suite représentative de sa production exécutée entre 1891 et 1918, enrichissant l’ensemble de quelques pièces abstraites ultérieures ; les majorités des acquisitions ayant lieu entre 1916 et 1920. Le soutien que Slijper apporte au peintre est de taille. Plus encore, il change sa vie. À une époque où Mondrian ne parvient pas à vivre de son travail et fait des copies au Rijksmuseum pour joindre les deux bouts, les achats en nombre de son récent mécène lui ouvrent de nouvelles perspectives et lui permettent de financer son retour à Paris en juin 1919.
Le devenir de la collection de Salomon Slijper n’est pas sans rappeler l’héritage de Michel Monet qui est l’un des fleurons du musée Marmottan Monet. Comme le fils de l’impressionniste, Slijper est resté sans enfant. Comme ce dernier, Slijper a institué un musée – le Kunstmuseum de La Haye (anciennement Gemeentemuseum) – son légataire. Comme le fonds Monet présenté dans l’hôtel particulier de la rue Louis Boilly, la collection Slijper constitue le premier fonds mondial de l’oeuvre de l’artiste
2 rue Louis Boilly 75016 Paris
Métro La Muette
- Félix Fénéon (1861-1944). Les temps nouveaux, de Seurat à Matisse
Exposition du 16 octobre 2019 au 27 janvier 2020
Aucune exposition n’a encore rendu hommage à Félix Fénéon (1861-1944), acteur majeur de la scène artistique de la fin du XIXe siècle et du tournant du XXe siècle. Le musée de l’Orangerie en association avec le musée du quai Branly-Jacques Chirac et The Museum of Modern Art, New York (MoMA) propose de célébrer sa personnalité hors du commun, encore injustement méconnue. L’exposition montrera les différentes facettes de ce personnage singulier, au physique de quaker et à l’humour pince-sans-rire, qui sut concilier carrière de fonctionnaire modèle, engagement artistique et convictions anarchistes. Chroniqueur, rédacteur à la Revue Blanche, critique d’art, éditeur – il publia Les Illuminations de Rimbaud -, galeriste, Fénéon fut également un collectionneur exceptionnel qui réunit un nombre important de chefs d’œuvre comprenant un ensemble unique de sculptures africaines et océaniennes. Soutien inconditionnel du néo-impressionnisme, découvreur de Seurat, directeur artistique de la galerie Bernheim-Jeune, défendant le fauvisme, le futurisme, Matisse, le rôle de Fénéon sur la scène artistique du début du XXe siècle fut déterminant.
L’exposition réunira un ensemble exceptionnel de peintures et dessins de Seurat, Signac, Degas, Bonnard, Modigliani, Matisse, Derain, Severini, Balla, etc., des pièces africaines et océaniennes ainsi que des documents et archives.
Musée de l’Orangerie – Jardin des Tuileries – Place de la Concorde 75001 PARIS tél.: +33 (0)1 44 77 80 07
Musée d’Orsay
Figure majeure de l’impressionnisme, Berthe Morisot reste aujourd’hui moins connue que ses amis Monet, Degas ou Renoir. Elle avait pourtant été immédiatement reconnue comme l’une des artistes les plus novatrices du groupe.
L’exposition retrace le parcours exceptionnel d’une peintre, qui, à rebours des usages de son temps et de son milieu, devient une figure essentielle des avant-gardes parisiennes de la fin des années 1860 jusqu’à sa mort prématurée en 1895.
Peindre d’après modèle permet à Berthe Morisot d’explorer plusieurs thématiques de la vie moderne, telles que l’intimité de la vie bourgeoise, le goût de la villégiature et des jardins, l’importance de la mode, le travail domestique féminin, tout en brouillant les frontières entre intérieur/extérieur, privé/public, fini/non fini. Pour elle, la peinture doit s’efforcer de “fixer quelque chose de ce qui passe”.
Sujets modernes et rapidité d’exécution ont donc à voir avec la temporalité de la représentation, et l’artiste se confronte inlassablement à l’éphémère et au passage du temps. Ainsi ses dernières oeuvres, caractérisées par une expressivité et une musicalité nouvelles, invitent à une médiation souvent mélancolique sur ces relations entre l’art et la vie.
- Ouverture de 9h30 à 18h le mardi, le mercredi, le vendredi, le samedi et le dimanche de 9h30 à 21h45 le jeudi vente des billets jusqu’à 17h, 21h le jeudi évacuation à partir de 17h15, 21h15 le jeudi groupes admis sur réservation uniquement du mardi au samedi de 9h30 à 16h, jusqu’à 20h le jeudi
- Fermeture tous les lundis et les 1er mai et 25 décembre.
Musée d’Orsay
1 Rue de la Légion d’Honneur – 75007 Paris
– Paris romantique, 1815-1848
Du 22 mai 2019 au 15 septembre 2019
Après “Paris 1900, la Ville spectacle”, le Petit Palais présente une grande exposition-événement qui offre un vaste panorama de la capitale durant les années romantiques, de la chute de Napoléon à la révolution de 1848
Près de 600 œuvres – peintures, sculptures, costumes, objets d’art et mobilier – plongent le visiteur dans le bouillonnement artistique, culturel et politique de cette période. Grâce à une scénographie immersive, le parcours invite à une promenade dans la capitale à la découverte des quartiers emblématiques de la période : les Tuileries, le Palais-Royal, la Nouvelle-Athènes, Notre-Dame de Paris ou les Grands boulevards. L’exposition évoque tour à tour : le Palais des Tuileries ; Paris, capitale de la mode et de l’artisanat d’art ; le choc des styles au Salon du Louvre ; la passion pour le Moyen-Âge ; le Paris des révolutions ; la vie de bohême ; les cercles artistiques et musicaux de la Nouvelle Athènes et enfin le Paris des spectacles.
Un volet dédié aux salons littéraires et mondains présenté au musée de la Vie romantique complète l’exposition.
– L’Allemagne romantique : Dessins des musées de Weimar
Du 22 mai 2019 au 01 septembre 2019
À la fin du XVIIIe siècle, la ville de Weimar, résidence des ducs de Saxe-Weimar joue un rôle éminent en tant que centre intellectuel de l’Allemagne. Personnalité centrale de cette cour éclairée, Goethe y accumule de nombreuses responsabilités liées à la politique culturelle et y rédige la plupart de ses œuvres. Collectionneur averti et dessinateur lui-même, il choisit pour le compte du Grand-Duc de très belles feuilles représentant toutes les facettes du dessin allemand.
À cette époque, la littérature, les arts plastiques et la musique connaissent de profondes transformations qui bouleversent leurs règles et leur pratique. Si le mouvement romantique n’a jamais eu de chef de file et s’il existe une grande disparité de styles, les artistes s’accordent à privilégier l’expression des passions et la subjectivité de leur vision. Cette période voit s’épanouir, chez un grand nombre d’artistes allemands, un génie du dessin qui s’impose comme l’expression la plus novatrice de la création d’alors.
Outre les figures emblématiques de Caspar Friedrich, Philipp Runge et Johann Füssli, le visiteur découvre plus de trente-cinq artistes essentiels dans l’histoire du dessin : Tischbein, Carstens, Fohr, Horny, von Schadow, Schinkel, von Schwind, Richter ou encore les nazaréens,Overbeck et Schnorr von Carolsfeld, qui étaient portés par la spiritualité chrétienne et le sentiment national.
Petit Palais : Avenue Winston Churchill 75008 Paris
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Tous les vendredis jusqu’à 21h
- «Calder-Picasso»
19 février-25 août 2019
Alexander Calder (1898-1976) et Pablo Picasso (1881-1973) ont renouvelé notre façon de percevoir. En explorant des thèmes figuratifs comme abstraits, l’exposition « Calder-Picasso » étudiera l’expression du « vide-espace » dans les œuvres de ces deux artistes, dans leurs résonances et leurs différences. Le propos de l’exposition s’appuiera sur les traces tangibles d’une relation entre les deux hommes, leurs points communs, leurs rencontres, leurs collaborations artistiques et les confrontations de leurs œuvres ; ces éléments seront sous-jacents au fil de l’exposition, qui proposera une lecture synthétique et métaphorique de l’œuvre des deux créateurs fondée sur le tracé du vide comme matrice. S’inscrivant dans la modernité au XXe siècle, Calder et Picasso placent au cœur de leur pratique l’expérience directe et personnelle du spectateur, en lui donnant accès à des perspectives obscures voire illusoires. L’exposition rassemblera environ 150 œuvres des deux artistes, selon un parcours thématique qui utilisera la confrontation au vide comme prisme à l’analyse des tensions conceptuelles et formelles sur lesquelles repose la création de ces deux artistes majeurs du XXe siècle. Elle sera accompagnée d’un catalogue rassemblant de nombreuses contributions majeures et inédites sur le sujet. L’exposition est réalisée en partenariat avec la Calder Foundation et la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte. Elle sera présentée au Museo Picasso Málaga à l’automne 2019.
A venir :
- Picasso, obstinément méditerranéen
Du 4 juin au 6 octobre 2019
Quels liens Pablo Picasso entretient-il avec l’espace méditerranéen ?
L’exposition met en perspective la vie et l’œuvre de Pablo Picasso en Méditerranée en montrant la richesse des liens unissant Picasso à cet espace géographique. Grâce à des dispositifs audiovisuels innovants et un ensemble d’œuvres exceptionnelles, l’exposition permet d’aborder la Méditerranée de l’artiste espagnol poétiquement et de manière immersive, depuis les paysages des ports de Malaga et Barcelone jusqu’aux œuvres des dernières années de sa vie en passant par le Midi culminant d’Antibes et Vallauris.
Seront mises en valeur aussi les influences méditerranéennes, depuis la préhistoire ibérique jusqu’aux antiques grecs et orientaux, en passant par le Maghreb.
S’appuyant sur la richesse des collections du Musée national Picasso-Paris, notamment ses archives et photographies, ainsi que sur des chefs-d’œuvre présentées à Paris pour la première fois, l’exposition se veut un contrepoint à la manifestation « Picasso-Méditerranée » qui a réuni plus de soixante-dix institutions dans dix pays méditerranéens et trois millions de visiteurs depuis le printemps 2017.
Musée Picasso 5 rue de Thorigny, 75003 Paris
Musées de banlieue et de province
– BRAQUE, MIRÓ, CALDER, NELSON : Varengeville, Un atelier sur les falaises
La Réunion des Musées Métropolitains Rouen Normandie est engagée depuis deux ans dans un cycle d’expositions d’art moderne consacré aux grands artistes du 20e siècle ayant marqué le territoire normand. Après Picasso à Boisgeloup en 2017 et Marcel Duchamp en 2018, le musée des Beaux-Arts se penche sur un moment tout aussi important, qui a vu une véritable colonie d’artistes se former à Varengeville-sur-mer, autour des figures tutélaires de Georges Braque et de l’architecte Paul Nelson.
En 1928, Paul Nelson fait découvrir le village de Varengeville à Marcelle et Georges Braque. Ils décident d’y acquérir une maison et d’y faire construire un atelier et, dès 1930, y font des séjours prolongés jusqu’au décès de Braque en 1963.
Varengeville apporte une respiration dans l’œuvre de l’artiste, le site normand le nourrit et lui inspire de nouveaux thèmes, qu’il s’agisse des paysages qu’il peint jusqu’à son dernier souffle, des motifs plus ruraux comme les vélos ou les chaises de jardin ou des matériaux naturels qu’il se met à utiliser pour ses sculptures. Sa vie à Varengeville est largement documentée par les nombreuses photographies prises par Mariette Lachaud, une proche du couple Braque qui se fond dans leur quotidien et photographie les lieux de vie, l’atelier, l’artiste au travail, les visiteurs et amis qui se présentent.
Musée des Beaux-Arts de Rouen
Esplanade Marcel Duchamp
76000 Rouen
Accès handicapés : 26 bis, rue Jean Lecanuet
Tél. : 02 35 71 28 40
- Vis-à-vis Fernand Léger et ses ami.e.s
1er juin – 23 septembre 2019
Placé sous le signe de l’amitié créative et de l’esprit collaboratif, ce cycle d’expositions consiste à mettre en regard une œuvre de la collection du musée avec celle d’un autre artiste, peintre ou sculpteur, avec lequel Fernand Léger (1881-1955) a pu, au cours de sa carrière, nouer une relation amicale ou développer une collaboration artistique.
D’un tempérament naturellement généreux, curieux et ouvert aux innovations techniques et artistiques de son siècle, Fernand Léger s’est toujours entouré d’artistes qui ont pu influer sur sa démarche de peintre. Au croisement des principaux mouvements de l’avant-garde européenne, son œuvre, oscillant entre abstraction et figuration, a accompagné les grands bouleversements esthétiques de la première moitié du XXe siècle : elle a apporté une contribution originale à la modernité tout en affirmant la liberté et l’indépendance d’esprit et de création du peintre.
Au-delà d’une relecture du parcours des collections, le musée national Fernand Léger met en évidence, grâce à ce programme d’expositions, la proximité thématique et stylistique entre les œuvres mais aussi les influences réciproques, fructueuses qui ont marqué et nourri les artistes de cette période.
Musée national Fernand Léger
255, chemin du Val de Pôme
06410 Biot
Tél: 33 (0)4 92 91 50 20
- Exposition “20 ans d’acquisitions”
Du 12 janvier au 14 juillet 2019
Une collection : l’oeuvre du temps
Le musée Fournaise revient sur les vingt dernières années, période clef durant laquelle ses collections ont pris une nouvelle dimension.
Lieu de mémoire, le musée est également un centre actif de recherche sur les loisirs en bord de Seine au 19e siècle, en particulier le canotage, et sur la peinture de paysage par les Petits Maîtres des bords de Seine. Ce sont ces deux axes qui ont guidé les nouvelles acquisitions depuis vingt ans. Certaines sont prestigieuses : un bronze de Renoir et Guino, trois oeuvres d’André Derain, des lettres originales de Maupassant, une aquarelle d’Albert Lebourg… S’y ajoutent de nombreux documents et une quarantaine de paysages à l’huile que l’on doit au pinceau d’artistes moins connus, mais choisis pour la qualité, la douceur et la délicatesse de leur touche.
Les oeuvres s’exposent et se racontent : celle-ci aurait appartenu aux Fournaise, celle-là fut retrouvée dans un grenier, une autre nous revient d’Australie…
Constamment soutenue par les recherches, les rencontres et la générosité des donateurs, la collection du musée est, à force de patience et d’opiniâtreté, l’oeuvre du temps.
Musée Fournaise Ile des Impressionnistes, 3, rue du Bac 78400 Chatou Tél : +33 (0)1 34 80 63 22